Pese a la profusión y variedad de la nueva dramaturgia española, el año teatral ha estado copado por las revisiones de clásicos y las adaptaciones de textos no dramáticos, desde las novelas El día del Watusi o Nada hasta la película Los lunes al sol. La guinda la ha puesto 1936, gran espectáculo documental que recorre la Guerra Civil como nuna antes se había hecho. Esta es una selección de 10 de las mejores producciones nacionales de 2024, ordenadas por fecha de estreno.
Aun quienes están hasta el moño de la pandemia de teatro autoficcional que asola el mundo se han quitado el sombrero ante la habilidad con la que la autora y directora Lucía Carballal entreteje en este espectáculo la anécdota de El castillo de Lindabridis, obra de Calderón de la Barca, con la pronta ausencia de su propio padre de la casa familiar y la inestabilidad laboral de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, representada por tres generaciones de actrices
Crítica: Dos mujeres ante el padre ausente
El autor y director Pablo Remón ha sacudido la cartelera este año con su reescritura del Tío Vania de Chéjov, desplegada en tres versiones enmarcadas en distintas épocas y englobadas en un solo espectáculo que sigue de gira. La primera se representa en un escenario desnudo y seguidamente se escenifican las otras dos de manera simultánea en otro espacio dividido por la mitad, siempre con los mismos actores. Un juego de espejos que establece gozosas conexiones entre el pasado y el presente a través de los personajes chejovianos.
Crítica: Borrachera de teatro feliz
Esta obra mitológica de Calderón de la Barca escasamente representada en el pasado ha sido uno de los títulos más aplaudidos este año gracias a la mano infalible del director Iñaki Rikarte. Un espectáculo desenfadado, divertido y lleno de imaginación, que constituye un ejemplo de cómo hacer que un texto clásico conecte con el público contemporáneo.
Crítica: Todo nos habla de la guerra
Gran adaptación escénica de la monumental novela de Francisco Casavella. Desde la miseria de las chabolas hasta la Transición que nos dimos entre todos y el pelotazo de los años ochenta. Enric Auquer, Vicenta Ndongo y Guillem Balart brillan en un montaje dirigido por Iván Morales, un proyecto personal con más de dos años de trabajo. “¡Qué pocas cosas son las cosas!”.
Crítica: Todos somos Watusi.
La compañía La Moukhles & Sentís miran la contracultura catalana de los años setenta con el cariño que proporciona la distancia generacional. Fermí Delfa, Joan Sentís y Miriam Moukhles (recuerden ese nombre) se adentran en una época prodigiosa de la mano de los fantasmas de Pau Malvido y Pau Riba. Una propuesta inteligente, política y con mucho humor, que reivindica la coherencia de los perdedores.
Crítica: Hay que destruir la cultura catalana
El espectáculo-evento de la temporada. La actriz María Hervás pasa 24 horas en escena en esta carta de amor al misterio del teatro. Una escena corta, repetida cien veces seguidas con cien invitados diferentes: un hombre y una mujer, unos fideos chinos, unas copas de güisqui, un baile. Poder y vulnerabilidad, atracción y deseo, tedio y asco. El teatro es y será siempre ese tropiezo.
Crítica. 24 horas de teatro con María Hervás
El director Àlex Rigola alcanza la cima de su método con esta adaptación destilada de la obra de David Mamet para cinco intérpretes y espacio vacío. Dos taburetes y el título del espectáculo escrito en tiza son la única escenografía. El resto lo pone un elenco en estado de gracia y dos actrices (Miranda Gas y Sandra Monclús) que sirven de reflejo y crítica a la testosterona del texto.
Crítica: Trabajo, testosterona y capitalismo
Ignacio del Moral, coguionista de la película de Fernando León de Aranoa Los lunes al sol, y el director Javier Hernández-Simón han compuesto una adaptación teatral que dice hoy tanto o más que lo que decía el original en su momento. Entre los detalles actualizados figura la perspectiva al respecto de la lucha de clases, más optimista. El reparto a ocho voces, sembrado, sin fisuras, funciona como un clave bien temperado.
Crítica: Para que nadie pierda su lugar en el mundo
Sin nombres que sirvan de gancho, salvo el de la escritora Carmen Laforet, esta adaptación de una de las novelas fundamentales de la posguerra española ha agotado las localidades. Todo rima en ella: la adaptación, las interpretaciones, la correspondencia entre los planos escenográficos y las localizaciones, la pertinencia de la música… Apúntense el nombre de la directora Beatriz Jaén, que ha ajustado los detalles con vigoroso guante de seda.
Crítica: Una adaptación escénica fulgurante de la obra de Carmen Laforet
El año teatral se cierra por todo lo alto con este colosal espectáculo documental sobre la Guerra Civil española. Dirigido por Andrés Lima y escrito por Juan Mayorga, Juan Cavestany, Albert Boronat y el propio Lima, el montaje condensa en cuatro horas los episodios más significativos de la contienda bélica, escenificados con rigor histórico pero también (y sobre todo) con mucha emoción por un elenco de lujo formado por siete actores y el Coro de Jóvenes de Madrid. Una apuesta de riesgo que quedará inscrita en los anales del teatro de la memoria.
Crítica: La guerra es para quien la trabaja
Las revisiones de clásicos y las adaptaciones de textos no dramáticos han copado este año la cartelera española EL PAÍS
Pese a la profusión y variedad de la nueva dramaturgia española, el año teatral ha estado copado por las revisiones de clásicos y las adaptaciones de textos no dramáticos, desde las novelas El día del Watusi o Nada hasta la película Los lunes al sol. La guinda la ha puesto 1936, gran espectáculo documental que recorre la Guerra Civil como nuna antes se había hecho. Esta es una selección de 10 de las mejores producciones nacionales de 2024, ordenadas por fecha de estreno.
Texto y dirección: Lucía Carballal. Intérpretes: Mamen Camacho, Natalia Huarte, Eva Rufo. Estreno: 15 de febrero de 2024. Teatro de la Comedia de Madrid.
Aun quienes están hasta el moño de la pandemia de teatro autoficcional que asola el mundo se han quitado el sombrero ante la habilidad con la que la autora y directora Lucía Carballal entreteje en este espectáculo la anécdota de El castillo de Lindabridis, obra de Calderón de la Barca, con la pronta ausencia de su propio padre de la casa familiar y la inestabilidad laboral de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, representada por tres generaciones de actrices
Crítica: Dos mujeres ante el padre ausente
Texto y dirección: Pablo Remón. Reparto: Javier Cámara, Juan Codina, Israel Elejalde, Marta Nieto, Manuela Paso y Marina Salas. Estreno: 29 de febrero de 2024. Naves del Español en Matadero Madrid.
El autor y director Pablo Remón ha sacudido la cartelera este año con su reescritura del Tío Vania de Chéjov, desplegada en tres versiones enmarcadas en distintas épocas y englobadas en un solo espectáculo que sigue de gira. La primera se representa en un escenario desnudo y seguidamente se escenifican las otras dos de manera simultánea en otro espacio dividido por la mitad, siempre con los mismos actores. Un juego de espejos que establece gozosas conexiones entre el pasado y el presente a través de los personajes chejovianos.
Crítica: Borrachera de teatro feliz
Texto: Calderón de la Barca. Versión y dirección: Iñaki Rikarte. Reparto: Iñigo Arricibita, Xavi Caudevilla, Cristina García, Ania Hernández, Nora Hernández, Antonio Hernández Fimia, Pascual Laborda, Cristina Marín-Miró, Felipe Muñoz, Miriam Queba, María Rasco, Marc Servera. Estreno: 5 de abril de 2024. Teatro de la Comedia de Madrid.
Esta obra mitológica de Calderón de la Barca escasamente representada en el pasado ha sido uno de los títulos más aplaudidos este año gracias a la mano infalible del director Iñaki Rikarte. Un espectáculo desenfadado, divertido y lleno de imaginación, que constituye un ejemplo de cómo hacer que un texto clásico conecte con el público contemporáneo.
Crítica: Todo nos habla de la guerra
Texto: Francisco Casavella. Adaptación y dirección: Iván Morales. Reparto: Enric Auquer, Guillem Balart, David Climent, Bruna Cusí, Raquel Ferri, Vicenta Ndongo, Xavi Sáez. Estreno: 10 de abril de 2024. Teatre Lliure de Barcelona.
Gran adaptación escénica de la monumental novela de Francisco Casavella. Desde la miseria de las chabolas hasta la Transición que nos dimos entre todos y el pelotazo de los años ochenta. Enric Auquer, Vicenta Ndongo y Guillem Balart brillan en un montaje dirigido por Iván Morales, un proyecto personal con más de dos años de trabajo. “¡Qué pocas cosas son las cosas!”.
Crítica: Todos somos Watusi.
Dramaturgia y dirección: Maria Donoso y Albert Boronat. Reparto. Fermí Delfa, Miriam Moukhles, Joan Sentís. Estreno: 2 de mayo. El Maldà de Barcelona.
La compañía La Moukhles & Sentís miran la contracultura catalana de los años setenta con el cariño que proporciona la distancia generacional. Fermí Delfa, Joan Sentís y Miriam Moukhles (recuerden ese nombre) se adentran en una época prodigiosa de la mano de los fantasmas de Pau Malvido y Pau Riba. Una propuesta inteligente, política y con mucho humor, que reivindica la coherencia de los perdedores.
Crítica: Hay que destruir la cultura catalana
Creación y dirección: Anna Breckon & Nat Randall. Intérprete: María Hervás. Estreno: 6 de julio. Teatre Lliure de Barcelona.
El espectáculo-evento de la temporada. La actriz María Hervás pasa 24 horas en escena en esta carta de amor al misterio del teatro. Una escena corta, repetida cien veces seguidas con cien invitados diferentes: un hombre y una mujer, unos fideos chinos, unas copas de güisqui, un baile. Poder y vulnerabilidad, atracción y deseo, tedio y asco. El teatro es y será siempre ese tropiezo.
Crítica. 24 horas de teatro con María Hervás
Texto: David Mamet. Dirección: Àlex Rigola. Reparto: Pep Ambròs, Francesc Garrido, Miranda Gas, Andrés Herrera, Sandra Monclús. Estreno: 24 de septiembre de 2024. Heartbreak Hotel de Barcelona.
El director Àlex Rigola alcanza la cima de su método con esta adaptación destilada de la obra de David Mamet para cinco intérpretes y espacio vacío. Dos taburetes y el título del espectáculo escrito en tiza son la única escenografía. El resto lo pone un elenco en estado de gracia y dos actrices (Miranda Gas y Sandra Monclús) que sirven de reflejo y crítica a la testosterona del texto.
Crítica: Trabajo, testosterona y capitalismo
Texto: Fernando León de Aranoa e Ignacio del Moral. Dirección: Javier Hernández-Simón. Reparto: Yune Nogueiras, Marcial Álvarez, José Luis Torrijo, Fernando Cayo, Fermi Herrero, Fernando Huesca, César Sánchez, Lidia Navarro. Estreno: 4 de octubre de 2024. Teatro Calderón de Valladolid.
Ignacio del Moral, coguionista de la película de Fernando León de Aranoa Los lunes al sol, y el director Javier Hernández-Simón han compuesto una adaptación teatral que dice hoy tanto o más que lo que decía el original en su momento. Entre los detalles actualizados figura la perspectiva al respecto de la lucha de clases, más optimista. El reparto a ocho voces, sembrado, sin fisuras, funciona como un clave bien temperado.
Crítica: Para que nadie pierda su lugar en el mundo
Texto: Carmen Laforet. Adaptación: Joan Yago. Dirección: Beatriz Jaén. Reparto: Carmen Barrantes, Jordan Blasco, Pau Escobar, Laura Ferrer, Manuel Minaya, Amparo Pamplona, Júlia Roch, Julia Rubio, Andrea Soto, Peter Vives. Estreno: 8 de diciembre de 2024. Teatro María Guerrero de Madrid.
Sin nombres que sirvan de gancho, salvo el de la escritora Carmen Laforet, esta adaptación de una de las novelas fundamentales de la posguerra española ha agotado las localidades. Todo rima en ella: la adaptación, las interpretaciones, la correspondencia entre los planos escenográficos y las localizaciones, la pertinencia de la música… Apúntense el nombre de la directora Beatriz Jaén, que ha ajustado los detalles con vigoroso guante de seda.
Crítica: Una adaptación escénica fulgurante de la obra de Carmen Laforet
Texto: Albert Boronat, Juan Cavestany, Andrés Lima y Juan Mayorga. Dirección: Andrés Lima. Reparto: Antonio Durán ‘Morris’, Alba Flores, Natalia Hernández, María Morales, Paco Ochoa, Blanca Portillo, Guillermo Toledo, Juan Vinuesa y Coro de Jóvenes de Madrid. Estreno: 29 de noviembre. Teatro Valle-Inclán de Madrid.
El año teatral se cierra por todo lo alto con este colosal espectáculo documental sobre la Guerra Civil española. Dirigido por Andrés Lima y escrito por Juan Mayorga, Juan Cavestany, Albert Boronat y el propio Lima, el montaje condensa en cuatro horas los episodios más significativos de la contienda bélica, escenificados con rigor histórico pero también (y sobre todo) con mucha emoción por un elenco de lujo formado por siete actores y el Coro de Jóvenes de Madrid. Una apuesta de riesgo que quedará inscrita en los anales del teatro de la memoria.
Crítica: La guerra es para quien la trabaja
Danza: mucha calidad, poca visibilidad
Mercedes L. Caballero
Alianzas inusuales, contundencia y experimentación definen la danza que se ha podido ver en 2024. Un año con producciones de mucha calidad, lo que no se corresponde con la escasa visibilidad que sigue teniendo esta disciplina en las programaciones regulares de los teatros. Aquí va una selección de lo más destacado, por orden de estreno.
La materia. Capítulo II. De la Leona a la Invencible (Olga Pericet y Daniel Abreu). Aunque se estrenó a finales de 2023, La materia ha cosechado reconocimiento durante 2024. Se trata de un trabajo muy especial por varias razones, pero la principal pasa por reunir a Olga Pericet y Daniel Abreu, que juntos firman la creación, dirección, coreografía y baile de la obra. Son dos de los creadores más interesantes de la danza actual, ella desde el flamenco y él desde el contemporáneo. Y el resultado de tal alianza ha derivado en una pieza sólida y poética en la que ambos intérpretes visitan registros poco habituales en sus respectivos lenguajes. Una obra atravesada por la ofrenda y la complicidad. Crítica: Olga Pericet y Daniel Abreu: encuentro, alianza y redención
Dream (Israel Galván y Natalia Menéndez). Absolutamente revelador, por su valentía y arrojo y por lo inesperado y bello, Dream ha sido uno de esos espectáculos realmente significativos. También pasa por una alianza inusual: la de la directora Natalia Menéndez, al frente de la propuesta, y la del coreógrafo y bailaor Israel Galván, artista señero en romper moldes del flamenco más ortodoxo. Dream, anagrama de madre, explora las relaciones maternofiliales con un Galván espléndido y arrollador que convierte la propuesta en un experimento escénico imponente. Crítica: La genialidad que estremece
The common ground (Poliana Lima). La bailarina y coreógrafa brasileña Poliana Lima ha destacado en 2024 destaca con esta pieza para seis bailarines que pone el acento en aquello que se cataloga como no normativo en cuanto a identidad social. El resultado es todo un dispendio de danza poderosa y extenuante que torpedea convenciones (escénicas también). Reportaje: La danza de Poliana Lima mantea la escena
The room where it happens (Iker Karrera). Iker Karrera reúne varias cosas reseñables. Un lenguaje muy propio, resultado del cruce entre la danza contemporánea y la danza jazz. También cosecha gran popularidad en las redes sociales (fue director del programa de televisión Fama y dirige una de las escuelas con más alumnado, Danza 180º). The room where it happens refleja bien su discurso: ese lenguaje corporal tan reconocible, que además pasa por la estupenda técnica de los cinco intérpretes, combinado con la música electrónica del compositor Alex Aller. La obra trata “de cómo se ocultan las emociones en un mundo hiperinformado, de mucha exposición e hiper sexualizado”, tal y como declaró en una entrevista en EL PAÍS.
Totentanz–Morgen ist die Frage (La Veronal). Dirigida por Marcos Morau, La Veronal es una de las compañías españolas más internacionales. Su producción, además, es incansable. Este año ha estrenado una pieza para espacios más allá del escenario, que combina la danza, la instalación expositiva y la videocreación. Pero sobre todo da cuenta del particular universo de Morau, rico y desbordante, y la excelente interpretación de bailarinas como Lorena Nogal, reciente Premio Nacional de Danza en la modalidad de interpretación. Totentanz–Morgen ist die Frage es un recorrido por la muerte y sus aledaños con pocas concesiones. Lo que se agradece. Crítica: De bruces con la muerte. Mucho más que danza para atravesar el horror